Два слова о Комедии Дель Арте. Часть 1

Комедия Дель Арте - вид итальянского уличного (площадного) театра. Особенностью именно этого вида искусства было то, что представление разыгрывалось не на основе какого-то определенного текста, а на основе сценария, который предусматривал лишь основные сюжетные ходы. Все остальное было чистейшей импровизацией и отдавалось на откуп актерам, исполнявшим ту или иную роль. При этом, роль той или иной маски «приклеивалась» к актеру. Каждый участник труппы играл только своего героя, сроднялся с ним, что давало ему возможность каждый раз выходя на сцену импровизировать, оставаясь при этом в рамках своего амплуа. Таким образом, несмотря на то, что именно комедия масок считается предшественницей современного театра, задача у актера комедии масок и современного актера совершенно разные. Актер современного театра должен выучить свою роль, перевоплотиться в нее, отказавшись от собственного «Я». Актер комедии масок должен, по сути, стать своим персонажем, думать и действовать как он в тех или иных обстоятельствах.

Сегодня мы поговорим о комедии масок и посмотрим на одну старинную схему для вышивки. Схема вышла ориентировочно в первой половине XIX века в издательства Ф.П. Девриента, в Берлине. Оригинал хранится в коллекции музея Kunstbibliothek (Берлин). Мы рассмотрим персонажей, изображенных на схеме, и попробуем дать каждому из них небольшую характеристику. 

Маски Комедии дель арте. Вышивка. Германия, XIX в., музей Kunstbibliothek (Берлин)

Расцвет итальянской комедии дель арте пришелся на середину XVI в., а вот происхождение этого вида искусства до сих пор точно не описано. Персонажей, похожих на героев комедии, находили на фресках Помпеи. Истоки собственно театрального представления, возможно, стоит искать в средневековых мистериях, карнавалах, представлениях жонглеров и скоморохов.

Коллективы, разыгрывавшие комедии масок, считались в Европе первыми профессиональными актерскими труппами. Появившись в Италии, этот вид театрального искусства быстро распространился по Европе. В каждой стране комедия масок имела свои региональные особенности. Например, Арлекин – классический итальянский персонаж, а Пьеро – представитель французской традиции.

Количество масок и, соответственно, персонажей комедии дель арте, невероятно велико. В каждой стране и даже в каждом регионе внутри страны были свои характерные персонажи, которые, впрочем, были часто родственны друг другу и основным классическим маскам. Все актеры (маски) в труппе задействовались во всех пьесах, и наоборот, если какого-то персонажа не было в труппе, то его не было и в сценариях.

Выделяют два классических мужских квартета масок, северный и южный, и два женских персонажа. 

Северный (венецианский) квартет масок

Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто) – венецианский купец, скупой старик. Его отличительная черта – красные узкие панталоны. Часто он одет в колпак и черный плащ, обут в домашние туфли. Как и положено старику, имеет горбатый нос, носит усы и бороду. Панталоне – аморальный интриган. Он любит молодых красавиц, но никогда не добивается взаимности. О считает себя самым умным, но постоянно оказывается одураченным собственным слугой Арлекином.

Панталоне на иллюстрации Ф. П. Дервиента и на рисунке Мориса Сандо, 1860 г. 

Образ Панталоне – обобщенный типаж венецианского купца и самой Венецианской республики, когда-то бывшей в расцвете могущества и богатства, но растерявшей к XVI веку и то, и другое. Эта эволюция прослеживается и в имени пресонажа, от Маньифико (великолепного) к Панталоне (искаженной форме имени Святого Пантелеимона). «Панталоном» в Европе называли любого венецианского моряка. Будучи венецианцем, Панталоне должен был говорить с правильным акцентом. Если в труппе не было подходящего под это требование актера, маска носила имя не Панталоне, а, например, Кассандро или Уберто.

Дотторе или Доктор (Дотторе Баландзоне, Дотторе Грациано) – псевдо-ученый из Болоньи, псевдо-юрист или, реже, псевдо-врач (в этом случае образ дополнялся ночным горшком или клистерной трубкой). Одет, как правило, в черную мантию (цвет учености), черную куртку и панталоны. Образ мог дополняться черной шапочкой, белым воротником и манжетами. Щеки актера ярко нарумянивались, чтобы показать, что Доктор уже выпил немало вина. Доктор – невежественный, похотливый и тщеславный педант, любящий говорить при помощи цитат и используемых к месту и не к месту терминов.

Дотторе на рисунке Мориса Сандо, 1860 г., и на гравюре Франческо Бертелли, 1642 г.

Как и в случае с Панталоне, в образе Доктора высмеивается целый социальный класс. Университет Болоньи, основанный в XII в., старейший в Европе, но к XVI веку он уже утратил свое превосходство. К тому же, грубый болонский диалект был узнаваем и создавал необходимый комический эффект. Маска Доктора была одной из самых трудных в труппе. Хотя актеру и приходилось играть псевдо-ученого, он должен был владеть диалектом и иметь какие-никакие знания. По этим причинам маска Доктора была не во всех труппах.

Бригелла (Скапина, Буффетто) – первый дзанни, умный слуга (часто «дзанни» трактуют дословно как «слуга», но если говорить более точно, это бывший крестьянин, подавшийся в город на заработки, низший городской класс). Уроженец долины Брембана близ Бергамо. Как и все дзанни (слуги) одет довольно просто: полотняная куртка, панталоны, обшитые зелеными галунами (на нашей иллюстрации они голубого цвета), шапочка и плащ. Образ дополнен темной маской с усами и короткой бородкой, кошельком или кинжалом за поясом. Бригелла – крестьянин и житель долины (что характеризует его как простоватого и веселого человека). При этом, он себе на уме, изворотлив, знает свою выгоду и никогда никому ничего не прощает. Бригелла выступал против стариков и за молодых, и поэтому он был самым любимым персонажем комедии среди простых людей.

Бригелла на иллюстрации Ф. П. Дервиента и на рисунке Мориса Сандо, 1860 г.

Со временем образ Бригеллы слегка смягчился. Он перестал быть таким злым, настоящий кинжал за поясом все чаще стал заменяться обычной деревяшкой. Эта маска – одна из самых важных во всей комедии. Именно Бригелла завязывает узлы интриг, запутывает и распутывает сюжет, старается быть смешным. Часто роль сопровождалась музыкальными и акробатическими номерами. В отличие, например, от Арлекина, образ Бригеллы не пережил закат комедии масок, но оставил большой след в искусстве. Многочисленные проворные и хитрые слуги из комедий Мольера и Шекспира – наследники Бригеллы. Самый, пожалуй, популярный из них – Фигаро из комедии Бомарше.

Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино) – второй дзанни, глупый слуга. Самая популярная маска комедии дель арте. Как и Бригелла, Арлекин – уроженец Бергамо. Его крестьянский костюм весь расшит разноцветными заплатами, на голове - шапочка с помпоном (изначально заячьим хвостом, символом трусости) или бубенчиком, на поясе – кошелек или меч. Лицо закрыто черной полумаской. Арлекин имеет веселый и легкий характер. Он не так умен и ловок, как Бригелла, и часто совершает глупости, за что регулярно получает наказания. Он ленив, любит поесть и поухаживать за девушками, но при этом не нахал. Все горести он сносит легко, с улыбкой.

Арлекин на иллюстрации Ф. П. Девриента и на гравюре Дж. М. Мителли, XVII в. 

Интересно, что эта маска получила свое имя не сразу. Имя Арлекина стал использовать актер Тристан Мартинелли, а нашел он его во французских инфернальных легендах. Эллекин – предводитель сонма дьяволов, главарь «дикой охоты». Как он попал на итальянскую сцену, точно не известно. Труппа Мартинелли много гастролировала по Франции, вероятно там актер и услышал это имя, присвоив его своей маске.

Можно сказать, что итальянский и французский Арлекины – это разные персонажи. Если итальянский Арлекин – это все еще крестьянин в заплатках, то французский Арлекин (или как его часто называли Доминик) одет в хороший костюм из разноцветных треугольников. Он так же весел, но не так прост, он уже умеет выворачиваться из неприятностей и быть настойчивым в достижении своих целей. В каком-то смысле этот Арлекин объединил в себе все лучшее от обоих классических дзанни, Арлекина и Бригеллы, и именно этот образ стал популярным не только во Франции, но и в Италии XVII-XVIII века, и позже, перекочевал в другие литературные произведения. Так, например, в сказке о Пиноккио Арлекин выступает вместе с Пульчинелло, а в нашей адаптации этой истории – вместе с Пьеро. В наше время Арлекин, Пьеро и ряд других персонажей комедии масок стали популярными персонажами уже современных маскарадов. На одной из своих картин Поль Сезанн изобразил своего сына и его друга в костюмах Арлекина и Пьеро.

Поль Сезанн «Пьеро и Арлекин», 1888 г.

Свой Арлекин с национальным колоритом был и в Германии, и в Австрии. В этих странах он обзавелся не только традиционным народным костюмом, но и другим именем. В Германии, например, его звали Гансом Вурстом или Пикелем Герингом.

Кроме классической четверки, к северным маскам относится и маска Капитана.

Капитан – испанский офицер, карикатура на испанских угнетателей. В числе самых ранних масок комедии дель арте были маски солдата и офицера. Со временем, главным образом под влинияем цензуры, маска солдата исчезла, а маска офицера осталась, особенно на севере, где власть испанских захватчиков была не так сильна. Темпераментным и жизнелюбивым итальянцам чопорные, жестокие и жадные испанские офицеры казались совершенно невыносимыми. Так и появилась маска Капитана, в слегка «причесанном» виде, ровно настолько, чтобы не быть запрещенной цензурой.

Капитан на иллюстрации Ф. П. Дервиента и на рисунке Мориса Сандо, 1860 г. 

Франческо Андреини, один из первых исполнителей маски Капитана, дал ему имя капитана Спавенто (ужас). Кроме этого, Капитана называли Маламоро (убийца мавров), Риносеронте (носорог) и даже Эскабар-Барадон ди Паппиротонда. Больше всего Капитан любил рассказывать небылицы о своих похождения и подвигах, причем совершал их он не только в разных местах земли, но и на небе. В этом он очень похож на Барона Мюнхгаузена, так же известного своими немыслимыми приключениями.

Строго говоря, Капитана нельзя причислить к северным маскам. Это был общеитальянский персонаж, больше прижившийся на севере в силу более мягкой цензуры. По мере того, как влияние Испании в Италии ослабевало, маска Капитана теряла свою актуальность, а к концу XVII в. и вовсе сошла со сцены.

Рассказ о северных масках был бы неполным без описания женского персонажа.

Фантеска (Франческина, Коломбина, Змеральдина, Серветта) – женская параллель к двум дзанни, крестьянка из Бергамо. Ее называли Арлекином в юбке. Появление женского типажа связано с тем, что кризис деревни в XVI в. в Италии заставлял отправляться в города на заработки не только мужчин, но и женщин. И это амплуа растерявшейся в большом городе крестьянской девушки, деревенской дурехи, как нельзя лучше подходило для историй, разыгрываемых комедией масок. На французской сцене образ претерпел значительные изменения, итальянская крестьянка стала девушкой городской, более сложной, женственной и аристократичной.

Коломбина на иллюстрации Ф. П, Дервиента и на рисунке Мориса Сандо, 1860 г. 

С именем Коломбины связана интересная история. В какой-то момент на сцене театра, как итальянского, так и французского, стали появляться две Фантески, пожилая, почтенная, и молодая, незамужняя, вокруг которой и разворачивалась интрига. Одной из первых исполнительниц роли молодой Фантески была Тереза Бьянколелли в 1560 году. Сохранился ее портерт, где она изображена с корзинкой, в которой сидели два голубя (colomba - ит.). Так она стала Коломбиной. Потом эту роль играли внучка и правнучка Терезы, после чего имя перешло и к другим актрисам. Как и Арлекин, Коломбина до сих пор не сходит с театральных подмостков.

Второй женский персонаж был обычно представлен актрисой, игравшей маску Влюбленной, и носил имя самой актрисы или одно из имен, традиционных для Влюбленной.

Южный (неаполитанский) квартет масок

Прежде, чем мы посмотрим на южный квартет масок, важно сделать одно существенное замечание. Южные и северные маски отличались не только именами. Надо иметь в виду, что сами народы, населявшие север и юг Италии, их язык, традиции, манера разговора, эмоциональность сильно различались. Поэтому попытки ломбардских актеров (северян) изображать на сцене жителей Неаполя (южан), современниками оценивались как крайне неудачные – танцы казались бесстыдными, жесты непристойными, а само действо – извращенным. Собственно по этой причине и произошло разделение масок. Северяне играли свои образы, южане – свои. Так как сам жанр комедии дель арте возник на севере, южане присматривались к тому, что делали их северные коллеги, и что-то даже брали себе, но полного повторения на сцене быть не могло в силу того, что действительность, сама жизнь сильно отличалась. В тех случаях, когда параллели были оправданы, они возникали сами собой. Так, на юге были свои Бригелла и Арлекин, только звали их Ковиелло и Пульчинелла.

Тарталья (от итал. «заика») – испанец по происхождению. Обычно мелкий гражданский служащий (поэтому носит большие очки) – полицейский, нотариус, юрист и т.д. Как правило, старик, забитый и робкий, но при этом вредный, мешающий людям спокойно жить. Мастерство актера, игравшего эту маску, заключалось именно в умении смешно заикаться. Таким образом, Тарталья – человек, который и хотел бы сказать что-то важное, но не может. Вместо этого у него постоянно получается что-то двусмысленное и непристойное. Так в южной Италии высмеивали мелких агентов испанского правительства.

Тарталья на рисунке Мориса Сандо, 1860 г. 

Как это было и с другими масками, во Франции Тарталья растерял многие из своих черт, в результате чего, в зависимости от контекста, мог оказаться уже не мелким чиновником, а даже министром или даже членом королевской семьи («Любовь к трем апельсинам»). Неизменным оставалось только его заикание.

Скарамучча (Скарамуш) – южный вариант маски Капитана. В отличие от Капитана, Скарамучча олицетворял собой скорее не испанского захватчика, а просто болтливого и хвастливого вояку, пьяницу и обжору. Атрибутом Скарамуччи была гитара, на которой он то и дело наигрывал разные мелодии. Очень сильно на образ Скарамуччи повлиял один из самых ярких исполнителей этой маски, актер Тиберио Фьорилли. Он лишил своего персонажа всех военных примет и перестал носить шпагу. Скарамучча в его исполнении – ловкач и трюкач, с богатой мимикой. Один из его современников описывает ситуацию, когда Тиберио в течение пятнадцати минут смешил публику одним только выражением лица, не произнося ни слова. Это было новым приемом в актерской игре тех лет. Такое преображение, как самой маски, так и канонического представления комедии дель арте, было связано во многом с тем, что труппа Тиберио много гастролировала, особенно во Франции, а сам актер не стремился к тому, чтобы вжиться в образ своей маски, а, скорее, менял ее так, как считал нужным, как нравилось зрителю. Стоит упомянуть, что труппа Тиберио часто выступала вместе с труппой Мольера, который признавал талант Тиберио и многому учился у него.

Скарамучча на рисунке Мориса Сандо, 1860 г. и на гравюре XVII в.

Ковиелло – первый дзанни, южный аналог Бригеллы. Слуга, бывший крестьянин из городков близ Неаполя, говорящий на ярком неаполитанском акценте. Часто был одет в обтягивающий костюм, но мог носить и обычную крестьянскую одежду, панталоны и жилет, меч или палку у пояса, шляпу с пером, иногда – очки. Его маска была красного цвета, с длинным, похожим на клюв носом. Ловкий и хитрый Ковиелло обладал богатой мимикой, играл на мандолине, танцевал.

Ковиелло на рисунке Мориса Сандо и на рисвнке Ж. Калло, начало XVII в.

Интересна эволюция этой маски, случившаяся на рубеже XVI - XVII вв. Образ Ковиелло выбрал для себя художник Сальватор Роза, один из самых ярких представителей интеллигенции Италии, бунтарь, посвятивший большую часть своей жизни борьбе с порядками, устанавливаемыми государством и церковью. Открытому противостоянию он предпочел вариант такого «озорного» протеста со сцены театра, высмеивая при помощи сатиры и музыки главные пороки общества. Когда в каком-либо городке ему запрещали выступать, он переезжал в следующий, и там продолжал все то же самое. По мере путешествия все дальше на север, традиционная маска Ковиелло уступила место новому персонажу, сеньору Формике. Оригинальный персонаж Ковиелло «умер» вместе с самим жанром комедии дель арте. В отличие от того же Арлекина, Ковиелло так и не стал ярким оригинальным персонажем, его образ постепенно размывался, перенимал черты других масок, пока совсем не потерялся и не забылся.

Пульчинелла (Полишинель) – второй дзанни южного квартета масок, южный аналог Арлекина. В переводе с итальянского его имя означает «цыпленок, которому один день от роду», в переводе с греческого – «похититель цыплят». Эта особенность нашла отражение и в образе героя – маска Пульчинелло была похожа на клюв. Легкий, веселый и не слишком умный крестьянин Пульчинелло быстро стал популярен на юге. Его костюм из грубоватой домотканой материи и маску часто можно было видеть на итальянских карнавалах, где многочисленные Пульчинеллы безобразничали и пакостили изо всех сил. Есть гипотеза, по которой схожесть с птицей (цыпленком) может говорить о том, что сам персонаж принадлежит нашему миру лишь наполовину, а на вторую половину – миру потустороннему. В карнавалах северных регионов Италии Пульчинелло принадлежал к группе «духов и привидений», а его пронзительный петушиный голос – атрибут персонажей того света. Еще одна легенда говорит о том, что Пульчинелло родился из яйца, созданного двумя ведьмами.

Пульчинелла на рисунке Мориса Сандо, 1860 г., и Полишинель на рисунке Николя Боннара, 1680 г. (Франция)

Популярность Пульчинелло способствовала тому, что его образ быстро распространился не только за пределами юга Италии, но и в других странах. Во Франции он стал Полишинелем, в Англии – Панчем, в России (с некоторыми оговорками) – Петрушкой.

По сценарию Пульчинелло мог быть не только слугой, но и булочником, художником, солдатом, привратником в монастыре и даже бандитом. Его основное качество – глупость, но в зависимости от ситуации он мог быть и умен, и хитер, и ловок (в отличие от северной пары Бригелла-Арлекин, в паре Ковиелло-Пульчинелло не было четкого разделения на умного-глупого, хитрого-наивного и т.д. Обе маски могли иметь любой набор черт). Не все исполнители маски были согласны с таким разнообразием. Некоторые считали, что основная черта Пульчинелло глупость, а наличие других черт делает его образ двойственным и фальшивым.

Разница между Пульчинелло и Ковиелло была невелика в силу культурных особенностей юга, не пережившего промышленной революции и не сформировавшего культурной прослойки в среде представителей трудового класса (на севере к этому классу принадлежал Бригелла). Они различались скорее в бытовом, чем в социальном плане. Они оба, если можно так выразиться, были деревенскими простофилями. Пульчинелло практически всегда был женат и женой обманут, и в этом заключается еще одна важная особенность этого образа. Если на севере обманутыми мужьями были старики (Дотторе и Панталоне), то среди южных масок стариков не было, и эту социальную функцию (мужа-рогоносца) отдали Пульчинелло.

Как и северный Арлекин, южный Пульчинелло пережил жанр комедии дель арте и стал персонажем литературы, в том числе, детской. Через литературу он вернулся в театр, но уже в театр кукол, где в виде деревянной игрушки смешил и поучал самых маленьких зрителей. Некоторые историки связывают с образом Пульчинелло образ французского Пьеро. По другой версии, Пьеро – наследник другой маски, Педролино. Как и Пульчинелло, Педролино был дзанни, а его костюм отличали островерхий колпак и слишком длинные рукава. Однако, на гравюрах XVII века в похожем костюме изображен Пульчинелло. Как и Пульчинелло, Пьеро был несчастлив в любви, только первый был мужем, а второй – вечным влюбленным. Нет свидетельств, которые позволили бы утверждать что-то наверняка, но, очевидно, между этими тремя персонажами связь существует.

Отдельно от основных квартетов масок стоят персонажи Влюбленных.

Влюбленные (Лелио, Орацио, Флавио, Флориндо, Оттавио и т.д. для юношей и Изабелла, Виттория, Фламиния, Эулария и т.д. для девушек) – единственные персонажи комедии дель арте, которые заучивали свои роли и очень мало импровизировали. В хорошей труппе пар влюбленных всегда было две. Одна пара изображала любовь возвышенную, романтическую, вторая – более обыденную, плотскую. Противостояние между ними строилось на том, что «реалисты» высмеивали «романтиков», разрушали их возвышенные образы и всячески подчеркивали именно плотский характер отношений между мужчиной и женщиной. В описании этих персонажей часто упоминается, что они выступали без масок, однако, на некоторых старинных гравюрах они изображены в масках.

Влюбленные Сильвио и Лелио, рисунок Мориса Сандо, 1860 г. 

Без Влюбленных невозможно было построить привлекательный сюжет, поэтому так или иначе они присутствовали в каждом сценарии. Но была у Влюбленных и еще одна важная социальная функция: само их присутствие легитимизировало отношения влюбленных, что было очень свойственно эпохе Ренессанса.

Существовало два основных женских и два основных мужских типа Влюбленных. Женские образы были представлены с одной стороны дамой властной, гордой, насмешливой, подчинающей своего партнера (Изабелла), и, наоборот, мягкой, нежной, лирической девушкой (Фламиния), готовой ради своего любимого на все. Мужские характеры были представлены с одной стороны развязным, наглым и навязчивым кавалером, с другой – скромным и робким поклонником.

Среди остальных масок Влюбленные выделялись еще и тем, что выступали всегда в роскошных костюмах и украшениях, что символизировало их причастность к высшим слоям общества. Кроме того, Влюбленные всегда разговаривали на модном в то время тосканском диалекте и строили свою речь как можно изящнее, что так же указывало на их высокое происхождение. И хотя напрямую шутить над представителями дворянства в Италии было нельзя, сатирический контекст сценария, шутки и насмешки над влюбленными были направлены если и не против артистократии, то против бездельников и прожигателей жизни, коих было много в привелигированных слоях общества. Это прекрасно считывалось зрителями.

Отказ от импровизации, особенно в сценах, которые повторялись из спектакля в спектакль, послужил первым шагом к постепенному изменению самой традиции комедии дель арте. Повились тексты ролей, что очень облегчило работу актеров. Стали распространяться книжки с записанными монологами на все случаи жизни. Кроме того, Влюбленные были наиболее далекими от народных масс персонажами. Литературный, а не разговорный язык, утонченные манеры, роскошные костюмы – из всего этого постепенно складывался новый тип театра.

Продолжая разговор о Влюбленных, посмотрим на пару в серых костюмах с алым сердцем на груди. На иллюстрации они обозначены как Пульчинелло и Пульчинелла. Почему я думаю, что таким образом на иллюстрации представлены именно Влюбленные? Давайте посмотрим на трансформацию образов спутницы Пульчинелло.

Пульчинелло и Пульчинелла, иллюстрация Ф. П. Дервиента

Выше мы говорили о том, что Пульчинелло – это женатый персонаж, причем женатый несчастливо. Его жена имела несколько имен – Лукреция, Зеза, Дзедза, Розетта, Пимпинелла, Пупарелла. Первое упоминание Лукреции относится к 1621-1622 гг. В более ранних постановках (1596 г.) Пимпинелла упоминается как простая служанка. В балете, поставленном Сергеем Дягилевым в 1920 году по пьесе XVIII века «Четыре похожих Пульчинеллы» (в основе которой еще более ранняя неаполитанская рукопись 1700 г.), Розетта упоминается как подруга Пульчинеллы, а Пимпинелла – как его возлюбленная. На гравюрах XVIII века Пульчинелло иногда изображен рядом с женским двойником, Пульчинелессой. Как же появился женский вариант Пульчинелло?

Влюбленный Пульчинелло, Джованни Доминико Тьеполо, 1797 г. 

В книге Бориса Голдовского «Кукольный театр. Детская энциклопедия» упоминается одна интересная легенда. В XVI веке в кукольном театре в Беневенто, близ Неаполя, существовало два персонажа, Пульчинелла и Пульчинелло. Особенностью этого городка было то, что половина жителей проживали на горе, а втора половина - на равнине. Жители гор были хитрыми и веселыми, а жители равнины – ленивыми и глупыми. Собирательный образ жителя гор и равнины и символизировали два Пульчинеллы. Мог ли впоследствии один из образов трансформироваться в женский? Все, что мы знаем о комедии дель арте говорит нам что да, конечно, мог. Но фактических подвтерждений этому мне найти не удалось, тем более что причина появления двух Пульчинелл могла быть совершенно в другом. 

Пульчинелло и Лукреция, гравюра Ж. Калло, 1622 г. 

Разбирая образ Пульчинелло и мистические версии его происхождения, мы говорили о том, что сам персонаж имеет намного более долгую историю и существовал еще до появления комедии дель арте. Иными словами, это архетип, существовавший в самых ранних, вероятно, времен Древнего Рима, народных представлениях. И этот архетип изначально представлял собой одновременно и мужскую, и женскую фигуру, символизируя двойственность самого мира: хаос и порядок, свет и тьму, бога и дьявола. Верхняя половина тела этого персонажа – мужская, нижняя – женская. Некоторые исследователи связывают образ Пульчинелло с культом Диониса, с циклом жизни и смерти. Двойственность, присущая образу Пульчинелло, в том числе и в рамках комедии дель арте, как раз и символизирует смерть – стать другим можно только умертвив свое истинное «Я».

Пульчинелло, гравюра 1622 г., Музей Виктории и Альберта

Я могу предположить, что именно из представления о Пульчинелло как о единстве мужского и женского и появились фигуры двух Пульчинелл. Вспомним древнегреческий миф о том, что изначально каждый человек был андрогином пока Зевс не разделил его на мужчину и женщину. С тех пор человечество обречено искать свою вторую половинку, свою истинную любовь. Пульчинелло и Пульчинелла, в одинаковых одеждах и с одинковым сердцем на груди, могут символизировать как раз такой поиск.

В заключении хочу обратить ваше внимание на еще одну интересную деталь – рог в руках Пульчинелло. Рог – это то, что может отпугнуть смерть и прогнать злых духов. То есть, несмотря на довольно мрачную историю, перед нами персонаж, в целом, позитивный и дарящий надежду. Кстати, вы ни за что не догадаетесь, кого ставят в ряд современных наследников Пульчинелло. Не буду вас томить – это Битлджус. Звучит неправдоподобно, но если поразмыслить, некоторые общие черты найти можно.

Выше мы перечислили классические, основные маски, но персонажей комедии было намного, намного больше. Зачастую идентифицировать таких персонажей сложно, их костюмы и театральные амплуа могли сильно видоизменяться от местности к местности и от века к веку. Но давайте попробуем сказать несколько слов и о них.

Maтто (Маттачино, Матазин) – дословно с итальянского переводится как «безумный, сумасшедший». Формой во множественном числе «matachins» называли танцоров в масках, которые в рамках представлений комедии дель арте исполняли мавританские танцы и акробатические трюки. Строго говоря, «маттачини» не были персонажами комедии, их история начинается намного раньше, чем возник сам жанр комедии. Изначально это уличные артисты, которые участвовали как в народных гуляниях и маскарадах, так и в некоторых религиозных действах. Отличительной чертой «маттачинов» были привязанные к рукам и ногам колокольчики. Изображения танцоров с колокольчиками можно найти на старых итальянских фресках.

Матто на иллюстрации Ф. П. Дервиента и Маттазин на рисунке Пьетро Бертелли, 1589 - 1592 гг.

Далеко не все труппы использовали в своих представлениях «маттачинов», некоторые их черты перенимались классическими масками (здесь важно отметить вот что: когда мы говорим о том, что некоторые маски перенимали те или иные черты, мы имеем в виду, что исполнители этих масок так или иначе интерпертировали свой образ. Но так как исполнители масок назначались пожизненно, а актерских трупп, тем более популярных, было не так много, с определенным допущением речь идет о трансформации образа самой маски). Так, Ковиелло, танцующий и играющий на гитаре, почерпнул эти детали образа именно у «маттачинов».

«Маттачини» принимали участие в комедии не только в групповом, но и в индивидуальном качестве. Так на старых гравюрах появляется персонаж под именем Маттазин. Он был одет в белое (реже - цветное) платье и шляпу с пером (или колпак). На его руках и ногах мы видим те же колокольчики (в некоторых вариантах они трансформировались в помпоны), но в его образ добавляется еще кое-что, а именно рогатка (или праща) для метания яиц. Задачей этого персонажа в рамках комедии было, видимо то же, что он обычно делал во время карнавала – развлекать и эпатировать публику, совершая дерзкие и безумные поступки и закидывая окружающих яйцами.

Баяццо (Баяс, Пальяччо, Паяц) – паяц, грустный клоун. В комедии дель арте персонажа с таким именем нет, но есть персонаж с именем Пальяччо (Паяччо). Баяццо – немецкий вариант Пальяччо. Пальяччо – дзанни, слуга, клоун, но романтичный. Образ, близкий маске Педролино, одного из прототипов Пьеро. В этом смысле он выступал противовесом более мрачному Пульчинелло. Главная роль скромного и робкого Пальяччо – быть жертвой других людей и обстоятельств. Он прячет свои страхи под маской пустых слов и шуток, но в душе ждет признания, ждет момента, когда ему больше не придется смешить публику.

Баяччо на иллюстрации Ф. П. Дервиента и Пальяччо на рисунке Мориса Санда, 1860 г.

В Италии, где появилась эта маска, она не имела большого успеха, зато пришлась по душе французам. Пальяччо стал героем ярмарочных театров. В одной из постановок разорившийся Сганарель, персонаж комедий Мольера, решает начать новую жизнь, взяв себе новое имя и соорудив костюм из сине-белого чехла от соломенного тюфяка. В дальнейшем, паяцы стали важной частью народных театров Франции. Чаще всего они играли роль бедолаг, постоянно подвергавшихся унижениям и злобным шуткам со стороны остальных персонажей, а их гримасы и стоны только веселили публику.

В 1892 году состоялась премьера оперы Руджеро Леонкавалло «Паяцы» в основу либретто которой легла реальная история. Будучи мальчиком, Леонкавалло стал свидетелем того, как ревнивый актер одной из странствующих трупп во время представления убил свою жену и ее любовника. Главные герои оперы – Паяц, Коломбина, Таддео, Арлекин и молодой крестьянин по имени Сильвио. Надо отметить, что сама идея (актер во время пьесы убивает свою жену) встречалась в литературе и раньше. Один из авторов даже подал на Леонкавалло в суд за плагиат, но потом отказался от обвинения. Популярная фраза «Смейся, паяц» принадлежит как раз этой опере.

Продолжение статьи

Схема для вышивки «Комедия Дель Арте» по иллюстрации Ф. П. Дервиента доступна для подписчиков в VK и на Boosty. 

Вы тоже можете стать моим подписчиком, перейдя по ссылкам. Подписка даже на 1 месяц дает доступ 

ко всем материал, схемам и статьям, вышедшим за все время.